chissà

Cosa è arte oggi?
Bella domanda, che del resto pochi si fanno.
Molto più facile che le persone sentenzino sulla morte dell'arte, sul valore delle opere del passato di fronte all'insulsaggine dell'oggi.
Può essere. In fondo l'arte non serve e mai è servita, se ne può fare a meno.
Lo dico per provocazione o forse no.
L'arte è sempre servita ai vari poteri per convincere, propagandare, persuadere o distrarre.
E la gente se l'è gustata in buona fede, ne ha fatto uso.

Poi le cose son cambiate, sparite alcune committenze -chiesa, sovrani, regimi- ne sono comparse altre: i ricchi borghesi, i medi borghesi, via via a scendere man mano che la massa acquistava potere d'acquisto.
Son cambiati i prodotti dell'arte, di conseguenza, son cambiati a cominciare dai grandi formati che non sarebbero mai potuti entrare nelle abitazioni civili dei comuni mortali.
Son cambiati i generi: al posto delle battaglie le scene di vita, al posto dei soggetti religiosi le nature morte, al posto delle immagini dei sovrani i ritratti del Signore e della Signora Tal dei Tali.

Gli anni Cinquanta e Sessanta hanno visto gli oggetti cominciare ad essere protagonisti della nostra vita quotidiana, interpreti e portatori di personalità, senso, cultura, gusto (ed anche del contrario di tutto questo). Se ne accorsero in Inghilterra ed in America, tanto che gli oggetti divennero soggetti nell'arte, non più complementari dell'uomo e delle sue storie, ma loro stessi racconto e/o messaggio. L'arte fece POP, come "popular", o come -semplicemente- POP

.

Ed ora? La faccio breve. L'arte è pervasiva, è ovunque.

Che vi piaccia o no, l'arte è sui muri delle strade, nei cartelloni pubblicitari, nelle cose d'uso comune. E la fanno non sono i designer, gli stilisti, gli artisti delle installazioni e delle performance, la fanno anche tutti coloro in grado di riconoscere un buon oggetto comunicante.
Su quell'aggettivo si può discutere, per quanto si possa discutere di emozioni, sensazioni, gusto.

Qui sotto recensioni di libri in cui si parla di questo ed altro.
In modo più alto del mio, e forse non più sensato e nemmeno più chiaro. Infatti mi domando perché mai i recensori si ostinino a voler far letteratura, invece di pura, semplice, nitida recensione.
maria

da Exibart

 L'arte allo stato gassoso

(idea 2007)

A più di tre anni dalla sua pubblicazione in Francia, è stato finalmente tradotto il libro di Yves Michaud. Un breve ma denso saggio sullo stato dell’arte contemporanea. E sul processo di estetizzazione dell’esperienza quotidiana che contrassegna il nostro presente...

pubblicato lunedì 12 novembre 2007

Viviamo, secondo Yves Michaud, nell’epoca del “trionfo dell’estetica”. Un mondo “straordinariamente bello”, nel quale ogni aspetto della vita quotidiana è esperito, grazie agli sforzi del design, della moda, dell’industria del turismo, secondo i parametri della bellezza, della piacevolezza, del godimento sensibile e del divertimento. Parametri che orientano le nostre scelte, i nostri comportamenti, le nostre ricerche. Paradossalmente, però, a questa diffusione del carattere estetico, sensoriale e sensazionale dell’esperienza corrisponde un movimento di sparizione e “s-definizione” dell’arte, di dispersione del suo carattere oggettuale, legato cioè alla fisicità dell’opera, in un “etere artistico”, in un’aria che permea e avvolge tutto, in un’atmosfera nella quale qualunque cosa può divenire arte. L’opera d’arte scompare nelle procedure che la realizzano o nelle provvisorie esperienze che essa occasiona. L’arte allo stato gassoso si diffonde ovunque.
L’intenzione descrittiva è corroborata da una struttura teorica forte, che tenta di perlustrare il fenomeno contemporaneo del trionfo dell’estetica rendendo conto, al tempo stesso, della sua genealogia, degli effetti che ha sul pensiero estetico contemporaneo e sulle trasformazioni dei comportamenti umani, e cercando di profilare quale avvenire si prefigura per l’arte dal punto di vista tanto delle condizioni della sua produzione quanto della sua ricezione.
La prima metà del saggio è dedicata all’arte contemporanea, quella che Michaud chiama l’arte del post-post, l’arte che non si definisce distanziandosi dalle tendenze che la precedono, né denunciando ex novo i propri intenti programmatici, ma che senz’altro esibisce, in piena consonanza con le trasformazioni geo-politiche che contrassegnano gli ultimi anni del XX secolo, la fine della modernità. L’arte contemporanea viene allora analizzata sullo sfondo tanto di una generale riflessione etnografica e antropologica sull’attitudine artistica che contrassegna da sempre il comportamento umano, quanto di un confronto serrato con l’arte che l’ha immediatamente preceduta, quella del XX secolo.
L’autore non trascura di gettare uno sguardo accurato sul panorama del pensiero estetico e sulle teorie che alcuni dei suoi principali esponenti (Benjamin, Greenberg, Danto, Goodman) elaborano nel secolo scorso a fronte delle grandi trasformazioni registrate dal mondo dell’arte.
Ma è sicuramente nella parte conclusiva che Michaud arrischia, mantenendosi al di qua di condanne o apologie, la sua personale mappatura del nostro presente. La vaporizzazione dell’arte e l’estetizzazione di tutta l’esperienza determinano una modificazione del comportamento estetico dell’animale umano, sempre più alla ricerca di soddisfazioni sensoriali estemporanee e spensierate che trasfigurano la dimensione del quotidiano, di occasioni per evadere e di esperienze che lo aiutino a riconoscersi e a identificarsi, pur nella mutevolezza frenetica scandita dai ritmi della moda. A tutte queste esigenze è chiamata a rispondere l’arte, tanto nella forma istituzionalizzata dei musei, dei vernissage, degli eventi culturali, quanto nell’inafferrabile, eppure estremamente concreta, dimensione aerea che ri-veste la nostra forma di vita e ne definisce la specifica e transitoria identità. A questo livello, il lavoro dell’arte si coniuga in modo estremamente produttivo con quello dell’industria del turismo, la cui enorme espansione va di pari passo con il processo di vaporizzazione dell’arte e di estetizzazione dell’esperienza in generale. Le traiettorie del turismo s’incrociano con quelle dell’arte. Ed è proprio lungo queste che si elaborano e si manifestano le identità locali e globali e che si definiscono i modi e le possibilità dell’incontro e della contaminazione con l’alterità.

Sessoarterock’n’roll
(atlante 2006)

Spogliata della sua aura, l’arte svela curiosi parallelismi con la cultura di massa. Il libro li analizza con un’operazione neanche troppo sofisticata: rileggere l’arte con un linguaggio da fan...

pubblicato mercoledì 7 febbraio 2007
Annullata la distanza tra alta e bassa cultura, con un linguaggio diretto e colloquiale, ci si muove con disinvoltura, con una prospettiva transdisciplinare e al di là di una mera visione storicistica.
Fabriano Fabbri, giovane docente all’ateneo bolognese, insieme ad alcuni amici della scuola barilliana e in tempi non sospetti si era occupato di indagare i parallelismi tra arte contemporanea, musica e letteratura (Artbeat, 1999).
Oggi egli recupera un intelligente approccio metodologico per risistemare la storia dell’arte del secolo scorso, risvegliando nei lettori un senso di rammarico nel veder la critica impegnata nelle retrovie della storia invece che nella prima linea dell’arte del secolo XXI, contro l’accozzaglia disordinata del trendismo curatoriale.
Il nostro finisce invece per beccarsi la bacchettata negativa dell’autorevole domenicale del Sole24Ore. Perché nel 2007 le associazioni tra ambiti culturali diversi sono diventate una moda persino abusata e il buon Fabbri ha perso, per così dire, il diritto di prelazione. Ma c’è una bella differenza tra mescolare le carte per trovare una vulgata al turista culturale di bocca buona e inseguire un fil rouge che ha segnato la sperimentazione del passato non tanto remoto.
La storia culturale recente riannoda i suoi fili marginali, segue percorsi alternativi, nei quali si riscattano figure spesso dimenticate, che hanno giocato ruoli fondamentali nella costruzione del gusto. Da Ivan Puni (1892), precursore del ready made nel contesto delle avanguardie russe, a Luigi Russolo (1885), riletto non come pittore futurista ma come sperimentatore nel campo musicale, dj ante litteram e fo nte di ispirazione per Cage, Pink Floyd, Einstürzende Neubauten; da un Depero che anticipa l’happening a Arthur Cravan, nipote di Oscar Wilde, che fa lo stesso con la body art. Eliseo Mattiacci ripercorre gli stessi amori di Jim Morrison ma si scivola anche in confronti arditi, come quello tra Schwitters e Willy Coyote. E quando si parla di Murakami, è il performer di Gutai Saburo e non il pupazzaro top player Takashi.

Sullo sfondo troneggia Duchamp, ma le direzioni del ragionamento di Fabbri sono imprevedibili, in continuo contrappunto con le vicende della cultura di massa, secondo la logica ipertestuale: ogni spunto è buono per rimandare altrove, là dove, anche le ricerche più concettuali ed ermetiche, magari a distanza di decenni hanno trovato strumenti e contesti per diventare rassicurante quotidianità.

Il lavoro di Fabbri è rischioso. Il limite del suo volo d’uccello è l’eccesso di semplificazione, della prospettiva teleguidata, che può indurre ad interpretazioni distorte o alla sensazione di aver compreso, attraverso la parte, il tutto. Ma può servire a rimettere in gioco un’altra storia, dove c’è anche un bel pezzo d’Italia. E tanto basta.

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alfredo sigolo